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西方音乐史十讲(插图修订第9版)

本书以大纲式的手法对西方音乐发展进行了清晰描述,既保持了音乐史著作的学术性特点,又突出了实用性。迄今出至第9版,读者甚众。 全书共十章,按年代顺序对古代、中世纪、文艺复兴、巴洛克、古典主义、浪漫主义和二十世纪的西方音乐进行了介绍。文中对不同社会文化背景下,音乐所具有的不同功能,展现出的不同风格特征做了细致分析。此后,简要地列举了各个时期重要作曲家的生平、创作风格和代表作品,有力地说明了音乐家对音乐发展的重要贡献。

  1. 详细信息

编辑推荐

畅销30余载的美国高校通识课教材,了解西方音乐发展的最简明指南

脉络清晰本书概括出从古希腊到20世纪近3000年的西方音乐发展脉络。每章按固定体例,分别论及时代和文化背景、音乐的功能和风格特征、表演实践、体裁类型以及重要的作曲家、史学家、著述家,让读者在较短的篇幅中鸟瞰音乐文化。

实例丰富书中收录《西方音乐发展史:精选集》、《欧洲音乐遗产:800—1750》及《诺顿西方音乐选集》等多部经典谱例集中的乐谱,并附大量作曲家手稿及反映各时期音乐文化生活的历史图片,使读者能够全方位深层次了解作为文化的音乐行为。

查阅方便每讲提供与音乐相关的历史事件年表,七个固定的小节标题鲜明提示每讲内容,书末还附有乐器介绍及延伸阅读书单,给读者更满意的阅读体验和更方便的查询指导。

这种体例和论述对于初入音乐的学生(包括大学生和研究生),以及对音乐已有兴趣并希望进一步深入的爱乐者,最有实际的效用。一册在手,整个西方音乐史的面貌和轮廓便了然于胸。甚至,因其对音乐史实的概括简明而条理,如要对付相关考试,正好也可资参照。

——杨燕迪,现任上海音乐学院副院长、中国音乐家协会西方音乐学会会长、博士生导师

著者简介

米罗•沃尔德(MiloWold),1936—1974年执教于林菲尔德学院,并担任音乐学的荣誉教授。其后人为纪念他和他的夫人对学校教育的贡献,于2008年在林菲尔德学院设立了“米洛和布兰奇•沃尔德纪念奖学金”(MiloandBlancheWoldMemorialScholarship)。主要作品有《西方世界中的音乐与艺术》(与詹姆斯•米勒、埃德蒙•塞克勒等合著)等。

加里•马丁(GaryMartin),俄勒冈大学音乐学名誉教授,研究方向为音乐教育与音乐史。1966年开始执教于音乐教育学院,主要开设音乐教育、音乐课程发展史等课程。曾任德国国际音乐教育中心主任。主要作品有《音乐基本概念》、《西方世界中的音乐与艺术》(合著)等。

詹姆斯•米勒(JamesMiller),俄勒冈大学声乐和合唱音乐专业的名誉教授,曾任欧洲音乐教育中心德国与英国区的主任。1988年,他在英国巴思开设了名为“英国音乐社会史”的课程。在俄勒冈州,他多次担任国家声乐独奏与合奏比赛的评委。主要作品有《西方世界中的音乐与艺术》(合著)。

埃德蒙•塞克勒(EdmundCykler),俄勒冈大学音乐学院教授,主要作品有《用于多种乐器演唱和表演的121首卡农》、《西方世界中的音乐与艺术》(合著)、《比较音乐教育》(论文)等。

译者简介

刘丹霓,上海音乐学院博士毕业生,现为天津音乐学院音乐学系教师

内容简介

本书以大纲式的手法对西方音乐发展进行了清晰描述,既保持了音乐史著作的学术性特点,又突出了实用性。迄今出至第9版,读者甚众。

全书共十章,按年代顺序对古代、中世纪、文艺复兴、巴洛克、古典主义、浪漫主义和二十世纪的西方音乐进行了介绍。文中对不同社会文化背景下,音乐所具有的不同功能,展现出的不同风格特征做了细致分析。此后,简要地列举了各个时期重要作曲家的生平、创作风格和代表作品,有力地说明了音乐家对音乐发展的重要贡献。

本版增加了与音乐和作曲家相关历史事件的年代表,来帮助读者了解各个时期音乐的发展状况。其中,更多地去提及现今的音乐选集和相应录音的乐谱,方便读者对音乐作品的获取。同时,对讨论流行音乐的章节也进行了扩充和更新,以带给读者更多现代音乐学家最新的学术观点。

目  录

序言   通过音乐的历史走进音乐   杨燕迪   1 

前言   3 

导论   4

插图目录   14

谱例目录   16

第一章 中世纪之前的古代音乐   1

1.1 社会文化对音乐的影响   2

1.2 音乐的功能   5

1.3 风格与表演实践   5

形式组织   5

旋律   5

节奏   6

和声   7

织体   7

乐器法与音色   7 

表演实践   7

1.4 声乐音乐   8

1.5 器乐音乐   8

1.6 作曲家   8

1.7 史学家、理论家和手稿来源   9

第二章 中世纪早期(300—1100)   11

2.1 社会文化对音乐的影响   12

2.2 音乐的功能   13

2.3 风格与表演实践   14

形式组织   14

旋律   14

节奏   15

和声   16

织体   17

乐器法和音色   17

2.4 声乐音乐 18

圣咏   18

奥尔加农   19

单乐章形式和结构手法   19

2.5 器乐音乐   21

2.6 作曲家   21

2.7 史学家、理论家和手稿来源   22 

第三章 中世纪晚期:古艺术——新艺术(1100—1400)   25

3.1 社会文化对音乐的影响   26

3.2 音乐的功能   28

3.3 风格与表演实践   28

形式组织   29

旋律   29

节奏   30

和声   35

织体   35

乐器法和音色   36

3.4 声乐音乐   36

单乐章形式与结构手段   36

复合形式   40

复调弥撒   40

宗教剧   40

3.5 器乐音乐   40

3.6 作曲家   40

3.7 史学家、理论家和手稿来源   42

第四章 文艺复兴时期(1400—1600)   45

4.1 社会文化对音乐的影响   47

4.2 音乐的功能   48

4.3 风格与表演实践   49

形式组织   49

旋律   54

节奏   54 

和声   56

织体   56

乐器法和音色   57

表演实践   58

织体   56

乐器法和音色   57

表演实践   58

4.4 声乐音乐   59

单乐章形式和结构手段   59

经文歌   59 

赞美诗   60 

众赞歌   60 

诗篇歌   60 

赞美歌   60 

弗罗托拉   60 

牧歌   61

尚松   61

复调利德   62 

集腋曲   62 

埃尔曲   62

多种世俗形式   62

复合形式   62

弥撒   62

4.5 器乐音乐   63

单乐章形式和结构手段   63

利切卡尔   63

坎佐纳   64

圣名曲   64

托卡塔   64

幻想曲   64 

前奏曲   65

变奏曲   65

舞曲形式   65

复合形式   66

4.6 作曲家   66

4.7 史学家、理论家和手稿来源   73

第五章 巴洛克时期(1600—1750)   77

5.1 社会文化对音乐的影响   79

5.2 音乐的功能   81

5.3 风格与表演实践   82

形式组织   83

旋律   83

节奏   85 

和声   86 

织体   87

乐器法和音色   89

表演实践   90

5.4 声乐音乐   92

单乐章形式和结构手段   92

宣叙调   92

咏叹调   92 

咏叙调   92 

合唱   93 

经文歌   93

教会协奏曲   93

赞美歌   93

唱歌曲   93

复合形式   94

歌剧   94

清唱剧   97

受难曲   97 

康塔塔   97 

弥撒   98

5.5 器乐音乐   98

单乐章形式和结构手段   98

托卡塔   98 

前奏曲   99 

利切卡尔   99

赋格   99

幻想曲   99 

管弦乐序曲   100 

主题与变奏   100 

利都奈罗形式   100 

帕萨卡利亚与恰空   101 

众赞歌前奏曲   101

复合形式   101 

组曲   101 

管弦乐组曲   102 

教堂奏鸣曲   102

室内奏鸣曲   104

键盘奏鸣曲   105

独奏协奏曲和大协奏曲   105

5.6 作曲家   105

5.7 史学家和理论家   121

第六章   古典主义时期(1750—1820)   125

6.1 社会文化对音乐的影响   126

6.2 音乐的功能   128

6.3 风格与表演实践   128

形式组织   128

旋律   129

节奏   129 

和声   130 

织体   131

乐器法和音色   132

表演实践   132

6.4 声乐音乐   133

单乐章形式和作曲手段   133

宣叙调   133 

咏叹调   133 

合唱和重唱   133 

声乐复调作品   134 

利德   134

复合形式   134 

歌剧   134 

清唱剧   135 

弥撒   136

6.5 器乐音乐   136

单乐章形式和结构手段   136

快板奏鸣曲式   136 

回旋曲   137 

变奏曲式   138 

三部歌曲形式   138

小步舞曲和三声中部以及其他舞曲形式   138

序曲   138

复调器乐音乐   138

复合形式   139

奏鸣曲   139 

交响曲   139 

协奏曲   139 

室内乐   140

小夜曲、嬉游曲、遣兴曲和夜曲   140

6.6 作曲家   140

6.7 史学家和理论家   147

第七章   浪漫主义时期(1820—1900)   149

7.1 社会文化对音乐的影响   151

7.2 音乐的功能   152

7.3 风格与表演实践   153

形式组织   155

旋律   155 

节奏   156 

和声   156 

织体   157

乐器法和音色   157

表演实践   158

7.4 声乐音乐   160

单乐章形式和结构手段   160

艺术歌曲   160

合唱音乐   161

复合形式   162 

歌剧   162 

大型宗教合唱作品   164

7.5 器乐音乐   164

单乐章形式和结构手段   164 

奏鸣曲式   164 

二部曲式和三部曲式   165 

变奏曲   165

舞曲乐章   165 

狂想曲   166 

练习曲   166 

音乐会序曲   166

标题性交响曲和交响诗   166

复合形式   167

奏鸣曲和交响曲   167

协奏曲   167 

室内乐   167 

芭蕾   168

交响组曲和戏剧配乐   168

7.6 作曲家   168

7.7 史学家与理论家   190

第八章   20世纪早期(1900—1945)   195

8.1 社会文化对音乐的影响   197

8.2 音乐的功能   198

8.3 风格与表演实践    200

形式组织   200

旋律   202

节奏   203 

和声   203 

织体   204

乐器法与音色   204

表演实践   205

8.4 声乐音乐   206

单乐章形式   206

艺术歌曲   206

合唱作品   206

复合形式   207

歌剧和音乐剧   207 

清唱剧/带有乐队的合唱作品   208

仪式音乐   208

8.5 器乐音乐   208

单乐章形式   208

序曲和交响诗   208 

变奏曲   208 

小型音乐形式:舞曲、诗性小曲   209

复合形式   209

奏鸣曲、室内乐和交响曲   209

协奏曲   210 

组曲   210 

现代芭蕾   210

电影和戏剧配乐   211

8.6 作曲家   211

8.7 史学家和理论家   230

第九章 第二次世界大战以来的音乐  233

9.1 社会文化对音乐的影响   235

9.2 音乐的功能   237

9.3 风格与表演实践   238

形式组织   239

旋律   240

节奏   240 

和声   240 

织体   241

乐器法与音色   241

表演实践   241

9.4 声乐音乐   244

单乐章形式   244

艺术歌曲   244

合唱作品   245

复合形式   245

歌剧和音乐剧   245

9.5 器乐音乐   246

传统体裁   246

使用传统乐器的非传统音乐作品   246

电子音乐   247

9.6 作曲家   247

9.7 史学家和理论家   263

第十章  20 世纪的爵士乐和流行音乐   267

10.1 社会文化对音乐的影响   269

10.2 音乐的功能   270

10.3 风格与表演实践   271

布鲁斯   272 

雷格泰姆   273 

新奥尔良爵士乐   273 

迪克西兰爵士乐   274 

摇摆乐   274 

博普(比博普)爵士乐   275 

冷爵士乐   276 

自由爵士乐   276

摇滚乐   276 

乡村音乐   277 

蓝草音乐   277 

音乐剧   278

10.4 音乐作品   279

10.5 作曲家、改编者和表演者   282

乐器   286

音乐曲例   292

延伸阅读   326

重要词汇   339

出版后记   344

序  言

随着国内音乐生活日趋丰富,人们对音乐知识和相关信息的需求也日益增长。《西方音乐简史》中译本的出版,正是顺应和满足这一需求增长的自然产物。聆听和理解音乐,实际上须臾不可脱离历史语境与风格常规的导引——否则,音乐就成为一堆没有意义的音响堆砌。记得曾有人询问笔者,学习音乐为何一定要学习音乐的历史?我的回答是,没有历史的音乐根本就不曾存在,因而不懂得音乐的历史也就谈不上懂得音乐。无论对于音乐人,还是对于爱乐者,进入音乐的一个不可或缺的途径,就是进入音乐史。或者说,通过音乐的历史走进音乐,那是步入音乐殿堂的正途大道。

音乐史的著作和论述林林总总,而《西方音乐简史》的体例和思路与一般常见的叙述性音乐史相当不同,这就决定了此书的用途和读法会与一般音乐史书迥然相异。显而易见,此书的优势在于简明、清晰和条理,方便查阅,利于检索——英文原书已重印九版之多,说明使用者甚众,深受青睐。全书十章,囊括西方音乐发展最重要的各个阶段和风格单位,每章按固定体例,分别论及社会文化对音乐的影响、音乐的功能与作用、音乐的风格形式要素、音乐体裁、重要作曲家、音乐著述家及手稿来源,另还附有非常实用的乐器说明及重要词汇。这是一种别出心裁的安排——让读者在相对简短的篇幅中对每个时段的音乐文化有某种“一目了然”的鸟瞰式掌握。可以猜想,这种体例和论述对于初入音乐的学生(包括大学生和研究生),以及对音乐已有兴趣并希望进一步深入的爱乐者,最有实际的效用。一册在手,整体西方音乐史的面貌和轮廓便了然于胸。甚至,因其对音乐史实的概括简明而条理,如要对付相关考试,正好也可资参照。

此书的中译准确可信,行文流畅。这是译者的功绩,也是读者的幸运。由于音乐西学的汉译涉及诸多方面的要求——特别是音乐和语言两方面的功力和训练缺一不可,音乐翻译有其特别的难处。近来国内的某些音乐翻译出版物中出现了不少佶屈聱牙的行文,甚至牛头不对马嘴的误译,这从一个侧面反映出国内音乐翻译及出版无法适应当前市场需要快速增长的窘境和问题。本书译者刘丹霓恰在音乐和语言两方面均有科班训练和扎实积累,因而担当此书翻译游刃有余,让作者的写作意图完好无损地保留在通顺规范的中译文里。为此,我们应向原作者、中译者和中译本出版社表示感谢和致贺!

杨燕迪
2011年国庆期间写于上海音乐学院